Archivo de la categoría: Críticas Discos
Arde – Arde
Si ayer mismo contaba el carácter casi demodé que tenía el romanticismo de querer conservar los cánones del rock urbano de tintes románticos y noctámbulos con los navarros A Deshoras, hoy casi que esa misma línea argumental podría valer a la hora de abordar la escucha y el análisis de Arde, el debut homónimo de esta cabecera tras la que se esconde el músico Isaac Mangas, que podemos encontrar, bajo el nombre de Jysus, como voz y guitarra de Gamónides. Una banda que aúna casi por igual punk, psicodelia, garage y rock & roll. En esta nueva aventura, que viene avalada con su entrada en algún que otro festival, como el encuentro profesional y musical de Monkey Week, que se celebra a final del presente mes de noviembre, no es que se salga en principio de algunos de esos parámetros, pero sí que los refina una capa más retro que casi parece extraída de un túnel del tiempo, pero con los medios y calidad de grabación actuales. Presenta así un disco donde el rock mantiene el pulso entre devaneos barroquistas y, por momentos (muchos) psicotrópico con arreglos a veces minimalistas y otros grandilocuentes, con la producción de uno de los músicos de otra banda que, como sabemos, juega en una liga parecida desde hace tiempo como es Íñigo Bregel de Los Estanques, tanto en solitario como en ese proyecto conjunto con Anni B. Sweet. Arde y su álbum homónimo presenta nueve cortes que directos y al grano, sin devaneos de largos metrajes, en media hora. Otro viaje de estilo que mantiene viva el vigor del género con savia nueva.
Lee el resto de esta entradaA Deshoras – Kamikaze De Los Sueños
Hace un par de años hablaba aquí de esta jovencísima navarra que se estrenaba con un epé de cinco temas bajo el título de Cerca De Sus Pasos. Era una primera piedra de toque en la que ellos mismos eran conscientes de tener un amplio margen de mejora. Cumpliendo con su propia auto exigencia, dos año después regresan doblando la apuesta en todos los sentidos. Kamikaze De Los Sueños es su primer elepé, que viene cargado con diez temas en los que hay una más que palpable y notoria evolución en las formas musicales y casi que también lo es en los textos. Como el sol que sale alumbrando una esquina, que diría “A Fuego”, A Deshoras es una de esas bandas que lleva el veneno del rock urbano por la vía romántica, de esa escuela que no pretende tanto inventar nada como sí reverenciar a una forma de hacer, cantar y tocar que no es que se encuentre en peligro de extinción, porque siempre habrá quien le cante a la luna, pero sí que ha perdido el pulso generacional generando un gran vacío. Bandas como A Deshoras, Cobardes, Descendientes y otras tantas muchas intentan dar lo mejor de sí para conseguir que esa llama no se apague, esa llama de la que me hablaba Kutxi hace unos días que hablamos por teléfono. Su empecinamiento, al menos, merece que siga habiendo quien escriba de sus intenciones. Y en eso estamos.
Lee el resto de esta entradaDepresión Sonora – El Arte De Morir Muy Despacio
La música como desahogo extremo por más oscuro, denso, lúgubre y desbordante de desencanto suene. Lo de Depresión Sonora ha dejado de ser una rareza de llegada inmediata gracias a dos temas que se hicieron virales en tiempos de pandemia, dada la sensibilidad apocalíptica (exterior e interior) de entonces y podía haber dudas razonables de si el nivel podría mantenerse una vez entrada en la cacareada nueva normalidad que sigue siendo, en el fondo, tan anormal para muchos y tan rutinaria para todos. El proyecto de Marcos Crespo crece y tras ese fantástico epé titulada como la cabecera, Depresión Sonora, llega ahora este El Arte De Morir Muy Despacio, presentado en tres partes conceptuales distintas pero que al final devienen todas al mismo punto de fuga. Una muerte en vida a la que le arropa por el proceso sonidos de sintes, guitarras deliciosamente lúgubres, voces lánguidas y graves, cercanas a veces a un recitado de mínima modulación tonal, pero de una efectividad brutal, en parte a unas programaciones inteligentísimas y combinadas, a veces tan maquinales que nos evocan las cadenas de producción y la hiperproducción. Lo fantástico es que su alcance no llega a hacer más tristes a aquellos que sienten este punto de nihilismo y vacío de crisis intergeneracional, sino que representa un camino al que aferrarse y a encontrar respuesta auditiva a las necesidades emocionales. Un disco tan extraño como corriente, tan fabuloso como rutinario. Dada la juventud, habrá que estar pendientes de los siguientes giros de guion de Depresión Sonora… Si es que la realidad da motivos para ello.
Lee el resto de esta entradaRosy Finch – Seconda Morte
No es ni la primera ni la última vez que La Divina Comedia de Dante Alighieri inspira una obra musical y, en concreto, en especial dentro del círculo y los ambientes más metaleros. Es una de las obras literarias más inspiradoras de la literatura universal, también en lo que se refiere a otras disciplinas artísticas. Sobre todo en la pintura pero, como apuntaba, también en la música. Se publicó en 1307. Es una obra de transición entre el pensamiento medieval al renacentista, escrita en el lenguaje popular de su tiempo, donde conviven, como en un gran ‘collage’, el pensamiento clásico, la escolástica cristiana y los descubrimientos astronómicos y científicos de aquellos momentos. Esto da lugar a que aparezcan en un mosaico de imágenes de gran belleza plástica, tanto figuras mitológicas como los dioses griegos y romanos, como centauros, arpías, ángeles, demonios o personajes históricos derivados de ese recorrido del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso para reencontrarse con su difunta amada Beatrix y descubrir la fe en Dios.. No es poca cosa enfrentarse a musicar una de las obras más importantes de la literatura universal. Sobre todo porque el reto exige, como mínimo, no hacerlo ‘de cualquier manera’. Hay que estar muy seguro de las propias capacidades y tras gente como Pervy Perkins o Bridge To Nowhere, ha llegado el turno de una nueva banda, la alicantina Rosy Finch bajo el título que nos ocupa hoy, Seconda Morte.
Lee el resto de esta entradaDoctor Explosión – Superioridad Moral
Once añitos de nada han pasado para que Doctor Explosión vuelva con un nuevo disco (Hablaban Con Frases Hechas) y 23 desde “La Chatunga” y 26 desde “Drácula Ye-yé”, que a mí particularmente me han acompañado sin falta en cada uno de ellos. Que vale que la pandemia descuente dos, pero aún así, mucho se antoja. No significa esto que el bueno de Jorge Explosión (Muñoz-Cobo) hubiera rehusado seguir con esto de los rocanroles por la vía de garaje y el punk guatequero, sino que en este tiempo se ha hecho las Américas varias veces acompañando a otros músicos y, en definitiva, sumando experiencias que parecen canalizarse en un álbum en el que toma las referencias de antaño, pero con la sabiduría que da lo vivido, haciendo enriquecer los arreglos y atmósferas de sus canciones. Eso sí, por el camino del tiempo se ha dejado su querencia a combinar el inglés y el español, quedándose en este caso solo con el segundo, cosa que aquí aplaudimos a rabiar, grabándose en estudios Circo Perroti de Gijón. Con el porte que refuerza esa Superioridad Moral irónica de la que habla el título, el disco ha sido masterizado en Abbey Road Studios por Frank Arkwright (Blur, Oasis, New Order) y saldrá mañana de la mano de Slovenly Recordings, pero nosotros, haciendo gala del nombre del álbum (también con ironía, de eso va esta historia), os la traemos hoy. Encima el disco cuenta con colaboración de Sean Ono Lennon y los consejos de Jorge Ilegal así que más imposible.
Lee el resto de esta entradaMenta – Un Momento Extraño
Sigue empeñado Sonido Muchacho en convertirse en uno de los sellos discográfico con mejor cartel de los que se puede echar hoy uno a la oreja en estos tiempos convulsos. A saber: Airbag, Carolina Durante, Cariño, Depresión Sonora (hablaremos de nuevo de ellos en unos días), Hinds, Javiera Mena, Judeline, Kokoshca, La Bien Querida, La Trinidad, Los Punsetes, Mujeres… y un largo etcétera del que hoy nos centramos en Menta, el quinteto madrileño que le dio por debutar cuando estábamos todavía noqueados por el confinamiento (junio de 2020) y que tras varios singles y un epé que ejerció de laboratorio de ensayo, afinan mucho más el tiro en este larga duración que viene con diez temas muy aprovechables. Después de ese primer aperitivo en el que Carlos Hernández quiso revestirles de un atisbo de modernidad homogénea, con sintes y rollito indie al uso, la banda acierta en la ironía de limpiar las producción de aderezos que no van con ellos para ensuciarlo a guitarras, graves y atmósferas más densas y opresiva y una marcada querencia por el estruendo de banda de toda la vida (no en vano se forjaron en local de ensayo de Vallecas y se dejaron 300 euros en su primera maqueta). Aquí con post punk, allí con rock, por aquí más melancolía de madurez precoz por allí rebelión gamberra propia de su todavía juventud no disfrutada por eso… Por un presente que es la continuación perversa de la sucesión de crisis que se vienen desarrollando una tras otra. De valores y de empatía de paso por el camino. Un álbum que refuerza ese desencanto generacional que tan bien y también viene haciendo Biznaga y que suma con Menta una nueva bala para la ruleta.
Lee el resto de esta entradaEl Altar del Holocausto – De Euforia y Nostalgia
En los años que llevé la web de Rock Estatal como en los más de diez que llevamos abiertos en RockSesión (muchos de ellos de forma simultánea), he tenido siempre el propósito de dar cobertura y difusión al trabajo de las muchas y buenas bandas de rock instrumental que hay en nuestro país. Como cabeza de lanza histórica siempre tuvimos ahí a Los Coronas y otros hijos de esa cuna surfera como Los Tiki Phantoms. Del lado del post rock tenemos a Toundra, Jardín de la Croix, Le Temps Du Loup o, cómo no, El Altar del Holocausto, de quien ya os he traído un par de críticas en años anteriores. Ahora es el turno de este nuevo EP de apenas dos temas en siete minutos, pero que bastan y sobra, sobre todo también gracias a un espectacular videoclip, casi un cortometraje, para demostrar su altísima capacidad musical, pulcritud, virulencia y elegancia. Lo curioso es que tan magno EP haya sido retenido tanto tiempo, puesto que fue grabado en Metropol Studios en el mes de enero de 2021 bajo la producción de Álex Cappa. Cuenta la banda, formada por el cuarteto Skybite al bajo, sintetizadores y efectos, Reaper Model en batería y percusión, Reverb Myles en guitarras y efectos y Weasel Joe en guitarra y efectos, que «esta nueva composición está dedicada a los diez años de existencia de la banda y cuentan que es un regalo hacia todas las personas que les han seguido y apoyado durante estos años». De Euforia y Nostalgia, sensaciones a través de la música sin palabras. Sea.
Lee el resto de esta entradaJavier Sólo – Un Buzo En América
Después de lanzar en enero de 2020 (antes de que llegara la pandemia, parece que ha pasado un mundo por ello) el epé Un Buzo En El Espacio, Javier Sólo (autodefinido como ‘fusión de autor’) sigue peleando con su tilde como bandera en esto de los rocanroles luminosos y abiertos a arreglos alegres y accesibles con su nuevo larga duración de once temas, bajo el título de Un Buzo En América. (Entre ellos todavía lanzó también un libro autobiográfico titulado Cuando Mi Alma Es Un Cancionero, Tu Cara Es Un Poema, con un cedé de inéditos y rarezas, y el epé La Revolución De Los Corazones Sin Planchar). Todo con Rock Estatal Records. Un título que toma del hecho de que el álbum fuera grabado a caballo entre España y México, con colaboraciones de ambos lados del charco, como son Reincidentes, Jenny and The Mexicats, Miguel Ángel Escrivá de Santero y Los Muchachos, Los Daniels, Rebeca Jiménez o Casa Valdés. Todo ello avalado por la producción de la garantía de calidad que representa Carlos Narea (Miguel Ríos, Nacha Pop, Rosendo, Antonio Vega, Raimundo Amador, Pedro Guerra, Luz Casal, Los Secretos, Sabina & Páez, El Gusto Es Nuestro, La Frontera, Tahúres Zurdos, Jaime Urrutia, Burning y amplísimo etcétera). El disco representa una evolución de un sonido que no deja de ser el de toda la vida del rock que no busca alinearse bajo ninguna escuela concreta, que lo mismo se hace suave hace querencias poperas, que arrecia en tramos más duras, añade sonoridades latinoamericanas o castizas, arrumbadas y hasta un arranque por sevillanas. Un álbum grato y solvente, de los que nunca caducan y de los que siempre cuentan historias.
Lee el resto de esta entradaA.N.I.M.A.L. – Íntimo Extremo
¿Se imaginan a Soziedad Alkohólika haciendo un disco de nuevas versiones de sus grandes éxitos en versión un poco menos bruta y contando con ello con colaboraciones mainstream alejadas del género metalero propiamente dicho? Pues básicamente eso es lo que ha hecho la banda metalera argentina A.N.I.M.A.L. (Acosados Nuestros Indios Murieron Al Luchar) a la que le hemos tenido simpatía en esta casa siempre, debido a que era uno de los grupos que escuchaba mi primer compañero de convivencia en mi primer año universitario, de origen argentino – asturiano, para celebrar su trigésimo aniversario. Es una de esas mezcolanzas que más me gustan porque vienen a representar que, haga el estilo que haga cada cual, hay un reconocimiento sincero de una a otra parte. Algo así como que porque yo haga una determinada música no significa que no me pueda gustar otra que pueda parecer alejada, más pesada, más contundente, más suave, más melódica… ¡Qué sé yo! Música, en definitiva. De eso se trata. Por eso, que una formación de corte groove, nu, thrash o heavy, con ese amasijo de influencias cuente para una efeméride con nombres tan significativos como los de Andrés Calamaro, León Gieco, Enrique Bunbury, Juanes, Los Auténticos Decadentes, Abel Pintos, Draco Rosa, El Tri, gente de La Renga, Café Tacvba, Maldita Vecindad y ¡hasta una murga! es una auténtica gozada, más allá de que el resultado final sea más o menos brillante. Es un acto de celebración en sí mismo que aplaudimos y reconocemos.
Lee el resto de esta entradaKitai – No Somos Tu Puta Banda De Pop
Me he hinchado de citarlos en los últimos años como un ejemplo magnífico de cómo las etiquetas hoy en día (siempre, mejor dicho) valen de bien poco en el mundillo musical. Encuadrados de inicio el circuito indie (y lo cierto es que no hay explicación para ello), Kitai venía demostrando desde mitad de la pasada década que lo suyo tenía ingredientes mucho más salvajes y artesanales propios del rock. Sus directos así lo avalaban, demostrando porque era una de las bandas más alocadas de ver sobre el escenario. A saber: entrada enmascara en la niebla de humo, mascotas infantiles y animales en escena, una batería que acababa sobrevolando el público en una plataforma transparente, círculos y wall of death… Además de esto, otros cuentos datos más que le engrosan el currículum: ser seleccionados en el programa de radio del baterista de Metallica, Lars Ulrich, haber batido el récord Guinness de horas consecutivas tocando en directo (24 horas y, a su término, se marcaron un bis como propina) o interpretar uno de los singles de su último disco en un globo aerostático. En su sonido de rock alternativo siempre se han encontrado ingredientes que juegan desde el punto funky de Red Hot Chili Peppers, pasando por toques melódicos o incluso síncopas y tramos más metaleros. Con toda esa amalgama, la banda ha sobrevivido a una época confusa entre los integrantes y con cambio de agencia y ahora con la autoedición (después de pasar por Entrebotones o Sony Music) y viene con un cuarto disco en el que apuestan por la frescura de la producción de Héctor Mena, Pepe Portilla y Oso Santo de los mexicanos 3kmkz.
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