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The Soulers – The Soulers

Pese a abrir la puerta de RockSesión a prácticamente cualquier disco que tenga algo que decir sea cual sea su estilo principal, es cierto que hay una inmensa colección de bandas que se mueven en lo que a mi me gusta llamar como rock & soul donde podríamos decir que el mayor representante en nuestro días pasaría por ser Morgan. Con mayor o menor dureza de guitarras y proporciones que inclinan la balanza de un lado o del otro, también están esos Badlands, Aurora and The Betrayers (si bien Aurora ha decidido emprender ahora camino en solitario), Freedonia, The Limboos, En Clave De Soul, The Sweet Vandals, Anaut… En esa serie de nombres podemos incluir a The Soulers, un grupo que llegó a mis oídos hace un par de años, cuando todavía la web de Rock Estatal seguía abierta y me encargaba de dar difusión a grandes y pequeños, también con una amplitud de géneros que me permitían informar, en este caso y entonces, del lanzamiento del primer elepé del combo, titulado From Side To Side. Dos años después llega este epé de título homónimo en el que despliegan mucho más swing si cabe, soul y estilo con bien de rítmicas, de metales y el suave pellizco vocal sedoso que mandan los cánones del género. Un pequeño paso y una pequeña abierta para hacer distensión de distorsión que nunca viene mal en algunos momentos. Os comparto, pues, esta presentación que nos hace llegar la propia banda y algunos apuntes personales finales.

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Sr. Chinarro – Reality Show

Con algunos picos de popularidad, más por casualidad o por causalidad de su constancia que por un interés comercial o concesión a la accesibilidad por su parte, la carrera de Sr. Chinarro o, lo que es lo mismo, Antonio Luque, se ha movido siempre de manera subrepticia en un medio plano, ajena a cualquier tipo de imposición por moda o cualquier otro agente externo. Más de treinta años en los que ha despachado más de una veintena de discos y casi una decena de epés. Una auténtica barbaridad que no tiene aspecto de aflojar por más que pase el tiempo, con la década de los cincuenta inaugurada hace un par de años. A lo largo del tiempo se me ha cruzado en muchas ocasiones por el camino de mis reproductores, con discos señalados puntualmente por alguna recomendación de suplemento cultural y lo cierto es que siempre le tuve en buena estima, como un buen referente de lo que podemos denominar indie más poético. Es decir, de mayor calidad en las letras y con honestidad musical por encima del bombo a negras, los coros infinitos y todos esos clichés. Reality Show es su nuevo disco y creo que es de justicia que después de tanto tiempo tenga su pequeño hueco y estreno en la web. Diez canciones en las que se hace un intento por ser más explícito, sin dobleces, y una panoplia de registros que permite escucharle hasta en registros más rockeros de lo que es habitual. Y, por el camino, también cuerdas, algo de disco, canción de autor… En definitiva un creador total que firma uno de sus mejores álbumes en más de una década, siguiendo la senda de Presidente, El Mundo Según o Ronroneando.

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Rozalén – Matriz

Que Caín y Abel debían ser españoles lo sabemos desde los tiempos en los que Barón Rojo, mucho antes de que su letrista y bajista perdiera los papeles, los convirtió en una de las canciones más simbólicas y generacionales de los ochenta con aquel “Hijos de Caín”. Vivimos en un país en el que por hacer daño al gobierno de turno se vota en contra de percibir ayudas europeas, se critica a un seleccionador de fútbol hasta el punto de querer que nos eliminen cuanto antes en cualquier competición (véase ese mundial recién inaugurado que tendría que haberse evitado hace años, no ahora, con las prisas) o, también, echando por tierra la incuestionable variedad y riqueza cultural que tiene, como si el hecho de tener una naturaleza heterogénea fuese una rémora en lugar de algo de lo que presumir. Rozalén, en su valiente manera de ver la vida y la música, ha hecho el disco más anticomercial que podría haberse planteado, por una cuestión de necesidad personal y emocional. Ha cogido muchos de los folclores de nuestro país sin aderezos ni concesiones a sonidos de moda, canta en euskera, en catalán, en gallego y en español (como a su manera ya hiciera Def Con Dos en aquel hedonista ejercicio de reivindicación de las cuatro lenguas que fue “De Poca Madre”), incluso en bable, rodeándose de colaboraciones a la altura, recupera coplas como guiño a sus familiares perdidos en los últimos tiempos, canta a su tierra y además ahonda un poco más en su vertiente republicana, como ya dejara claro con “Justo”. Imagino que el jefe de producto de Sony se llevaría las manos a la cabeza cuando se le pusiera la idea encima de la mesa, pero lo cierto es que, en tiempos de medianías, es un gesto de amor inmenso a las propias convicciones y, claro que sí, a nuestras raíces.

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Beach Hotel – Ruido

Más de treinta años dedicados a la música y aunque no haya habido nunca un éxito comercial o un estallido de popularidad, tan feliz de seguir presentando nuevas canciones y en múltiples proyectos, además de en solitario. Antonio Álvarez es un músico almeriense, afincado en Granada, de esos que engrandecen y dignifican una escena local. Ya hablamos de él por aquí en otras dos ocasiones. Primero con el lanzamiento de su disco en solitario Libre Asociación De Ideas y, posteriormente, con motivo del concierto de presentación. Ahora, mientras prepara nuevos conciertos (como el que dará este sábado en la sala Clasijazz de Almería), acaba de publicar la primera referencia junto a la banda Beach Hotel, donde le acompañan Mané Mielgo y Palen. Ruido es su título y viene con siete nuevos temas que refuerzan su intención por narrar historias a la vieja usanza, con aires crípticos, con espíritu de los Bob Dylan, José Ignacio Lapido o Joaquín Sabina (de la época con Pancho Varona, eso sí), pero algo más contemporáneo en las formas, tirando a un rock alternativo que por momento (casi) roza algunos arreglos y melodías casi indies. Hoy nos vamos a este Beach Hotel de portada oscura.

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Andrés Calamaro – Honestidad Brutal Extra Brut

«La honestidad no es una virtud, es una obligación». Incluida en la portada interior del disco, pocas veces una frase me ha golpeado con tanta virulencia como esa, cuando se publicó el doble Honestidad Brutal en 1999. Lo peor de todo es que no sería la única asociada a este álbum que lo hiciera. Es un álbum repleto de textos y giros musicales que me marcaron de por vida. Por lo dicho, por lo cantado, por el estilo, por la pulsión, porque era el momento y un punto de inflexión vital que posteriormente se aumentaría con la locura quíntuple de El Salmón y que cambiaría mi forma de ver el mundo para siempre. Después de un disco poderoso como Alta Suciedad, que tenía una capa de efectismo popular muy acusado, lo de Honestidad Brutal era otra cosa. Menos ropaje, más víscera. Una dulzura hiriente de 37 cortes con enjundia. Uno de los mejores discos de ‘rocanlove’ escritos en castellano. Hace diez años escribía sobre él que su vigencia continuaba siendo plena y tal es así que hace pocas semanas ha visto la luz una edición extraordinaria que, además de remasterizar el doble original, añade un tercer disco de demos y versiones iniciales de una quincena de temas, además de tres cedés más con sesiones alternativas, colaboraciones, distintas mezclas, algunas versiones… Material añadido, que no sobrante, porque estamos ante un momento histórico para el artista y quizá también el canto de cisne de una forma de entender álbumes antes de que lo digital empezara a cambiar las maneras, los tiempos… la reflexión.

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El Toubab – Los Días Frente Al Luna Park

Aunque su figura no llegue a los grandes medios ni tenga detrás grandes promociones ni agencias que respalden sus lanzamientos, llevo siguiendo los distintos pasos de El Toubab desde que profundizara en su figura a raíz de gestionar durante muchos años la web de la extinta Rock Estatal. Un músico que a lo largo de los años ha evolucionado en sus inquietudes artísticas sin más pretensión que la de adecuarse a sus motivaciones vitales. Tal es así que dejó caer una banda de punk en el momento que más notoriedad tenía para viajar con el mundo con apenas más maleta que su guitarra y sus ganas de compartir canciones. Jaume Blanc, El Toubab, es todo un trotamundos de la música. En los últimos años ha recorrido toda Europa y varios países africanos, asiáticos y americanos, tocando en la calle y bares… Y también en cárceles, a lo Johnny Cash. También escribe y graba ideas, a lo Manu Chao, en sus viajes por el mundo, como aquel tema instrumental ‘Chain Gang Train’, compuesto en plena gira de presentación de su álbum Viaje Sin Retorno, en los viajes en trenes por Canadá con el vietnamita Vi An Diep y el norteamericano Matt Hatson. Se hizo acompañar por Sergio Velandia de En Vela, Juantxo Skalari, María Camargo de Real de Catorce, Jaime Asúa, Aurora Beltrán, Xavi Ciurans de Gertrudis, Fernando Madina de Reincidentes, José Arbulú de Cementerio Club, Mai Medina de Ciclonautas, Kutxi Romero de Marea… en otro disco, y ahora, con un nuevo ejercicio funambulesco, tiene puentes entre charcos con canciones inspiradas por tocar frente al Luna Park, con sabor a mar Cantábrico y el punto urbanita y mestizo de Lavapiés. Diez nuevos temas para un artesano del rock.

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Dragonfly – Domine XV

De las múltiples formas que tienen las bandas de celebrar los aniversarios de sus respectivas fundaciones, de sus discos o de cualquier otro aspecto, es elogiable y poco frecuente la elegida por Dragonfly para conmemorar el decimoquinto cumpleaños del lanzamiento de su debut, Domine. Aquello fue un bello ejercicio de power metal sinfónico de estribillos corales y arreglos neoclásicos. Si en estos tiempos la comunidad valenciana se ha convertido en cuna de grupos que aglutinan vientos, teclados y bases electrónicas, en la primera de siglo era una importante fuente de grupos de heavy metal. Ahí están Ópera Magna, Wurdalak, Crisis de Fe… Y por supuesto Dragonfly, que además sumaba esa aura bien trabado de guitarras del metal argentino (ascendencia Rata Blanca) y también marcado en el golpeo. A todo ello se sumaban las bombásticas colaboraciones del propio Adrián Barilari de Rata Blanca o Leo Jiménez, con uno de los mejores cameos que ha realizado en toda su carrera. De aquel imprescindible disco os traje crítica remember allá por abril de 2016. Ahora, la banda celebra su efeméride con un doble cedé igual de espectacular. Uno con la versión regrabada con los medios y templaza de hoy y un segundo con una fiesta de voces y músicos que suman a la gran fiesta. Es absurdo plantearse si uno es mejor que otro porque los dos tienen suficientes elementos para disfrutarlos (como ocurrió con proyectos de revisión de S.A., Extremoduro, Hora Zulú, Saratoga, Mägo de Oz y un largo etcétera).

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Arde – Arde

Si ayer mismo contaba el carácter casi demodé que tenía el romanticismo de querer conservar los cánones del rock urbano de tintes románticos y noctámbulos con los navarros A Deshoras, hoy casi que esa misma línea argumental podría valer a la hora de abordar la escucha y el análisis de Arde, el debut homónimo de esta cabecera tras la que se esconde el músico Isaac Mangas, que podemos encontrar, bajo el nombre de Jysus, como voz y guitarra de Gamónides. Una banda que aúna casi por igual punk, psicodelia, garage y rock & roll. En esta nueva aventura, que viene avalada con su entrada en algún que otro festival, como el encuentro profesional y musical de Monkey Week, que se celebra a final del presente mes de noviembre, no es que se salga en principio de algunos de esos parámetros, pero sí que los refina una capa más retro que casi parece extraída de un túnel del tiempo, pero con los medios y calidad de grabación actuales. Presenta así un disco donde el rock mantiene el pulso entre devaneos barroquistas y, por momentos (muchos) psicotrópico con arreglos a veces minimalistas y otros grandilocuentes, con la producción de uno de los músicos de otra banda que, como sabemos, juega en una liga parecida desde hace tiempo como es Íñigo Bregel de Los Estanques, tanto en solitario como en ese proyecto conjunto con Anni B. Sweet. Arde y su álbum homónimo presenta nueve cortes que directos y al grano, sin devaneos de largos metrajes, en media hora. Otro viaje de estilo que mantiene viva el vigor del género con savia nueva.

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A Deshoras – Kamikaze De Los Sueños

Hace un par de años hablaba aquí de esta jovencísima navarra que se estrenaba con un epé de cinco temas bajo el título de Cerca De Sus Pasos. Era una primera piedra de toque en la que ellos mismos eran conscientes de tener un amplio margen de mejora. Cumpliendo con su propia auto exigencia, dos año después regresan doblando la apuesta en todos los sentidos. Kamikaze De Los Sueños es su primer elepé, que viene cargado con diez temas en los que hay una más que palpable y notoria evolución en las formas musicales y casi que también lo es en los textos. Como el sol que sale alumbrando una esquina, que diría “A Fuego”, A Deshoras es una de esas bandas que lleva el veneno del rock urbano por la vía romántica, de esa escuela que no pretende tanto inventar nada como sí reverenciar a una forma de hacer, cantar y tocar que no es que se encuentre en peligro de extinción, porque siempre habrá quien le cante a la luna, pero sí que ha perdido el pulso generacional generando un gran vacío. Bandas como A Deshoras, Cobardes, Descendientes y otras tantas muchas intentan dar lo mejor de sí para conseguir que esa llama no se apague, esa llama de la que me hablaba Kutxi hace unos días que hablamos por teléfono. Su empecinamiento, al menos, merece que siga habiendo quien escriba de sus intenciones. Y en eso estamos.

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Depresión Sonora – El Arte De Morir Muy Despacio

La música como desahogo extremo por más oscuro, denso, lúgubre y desbordante de desencanto suene. Lo de Depresión Sonora ha dejado de ser una rareza de llegada inmediata gracias a dos temas que se hicieron virales en tiempos de pandemia, dada la sensibilidad apocalíptica (exterior e interior) de entonces y podía haber dudas razonables de si el nivel podría mantenerse una vez entrada en la cacareada nueva normalidad que sigue siendo, en el fondo, tan anormal para muchos y tan rutinaria para todos. El proyecto de Marcos Crespo crece y tras ese fantástico epé titulada como la cabecera, Depresión Sonora, llega ahora este El Arte De Morir Muy Despacio, presentado en tres partes conceptuales distintas pero que al final devienen todas al mismo punto de fuga. Una muerte en vida a la que le arropa por el proceso sonidos de sintes, guitarras deliciosamente lúgubres, voces lánguidas y graves, cercanas a veces a un recitado de mínima modulación tonal, pero de una efectividad brutal, en parte a unas programaciones inteligentísimas y combinadas, a veces tan maquinales que nos evocan las cadenas de producción y la hiperproducción. Lo fantástico es que su alcance no llega a hacer más tristes a aquellos que sienten este punto de nihilismo y vacío de crisis intergeneracional, sino que representa un camino al que aferrarse y a encontrar respuesta auditiva a las necesidades emocionales. Un disco tan extraño como corriente, tan fabuloso como rutinario. Dada la juventud, habrá que estar pendientes de los siguientes giros de guion de Depresión Sonora… Si es que la realidad da motivos para ello.

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