Archivos Mensuales: febrero 2020

#Mis10de System of a Down

 

Cuando los grillos de la cabeza no dejan de hacer ruido, la mejor solución que encuentro a mano es siempre la música y, la mayoría de todas las ocasiones, el metal es la que ofrece más alivio. Dentro de esa base de actuación, hay ciertos grupos que ya bordan los cuidados paliativos. De lado extranjero, además de Muse o Radiohead, las guitarras afiladas de Manson, Rammstein y, cómo no y quizá en la mayor de las dosis, es System of a Down quien más lo consigue, quizá por el punto de locura y potencia. La voz de Tankian, capaz de acariciar en la lírica más compleja y en el grito más virulento, entra directo a la actividad neuronal, sumada a la contundencia de las bases rítmicas y las guitarras espectaculares. Por eso, hoy, también a deshora, como la crítica remember del viernes pasado con Iván Ferreiro, reviso #Mis10de System of a Down. Es casi la misma lista que publiqué en Twitter en noviembre de 2012. Solo ha salido ‘Psycho’ (que estaba en el diez) para dejar sitio a una nueva entrada, que va directa al bronce, eso sí. Cierren la semana dando un repaso a SOAD. A mí a veces me funciona cuando tengo que buscarme la vida para callar los grillos… aunque no solucione nada. Salud, buena gente.

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#Mis10de Avalanch (con Ramón Lage)

 

Avalanch es una de las bandas más grandes que ha dado el heavy metal nacional. Lo es así pese a que pocas formaciones (nacionales) han pasado tantos avatares por el camino, pero saliendo siempre triunfante gracias al decidido e incansable trabajo de un genio, muchas veces incomprendido, como lo es Alberto Rionda. Cuatro vocalistas le contemplan y, tal es la situación, que en esta remodelación de #Mis10de, con entrada propia en la web, he decidido que es de justicia separarlos por vocalistas, especialmente en los casos de Víctor García (después Warcry) y de Ramón Lage, pues sus registros son del todo diferentes y, además, la modalidad de canciones también. Así que habrá diez temas de Ramón, hoy. Como también los habrá de Víctor y de Isra Ramos… mientras dure su camino. Hay que tener en cuenta que Juan Lozano tan solo publicó un disco en castellano. Por eso hago la excepción de incluir el ‘Juego Cruel’, versión Ramón, en el décimo puesto, como reconocimiento a aquel tema. Sin más preámbulos, vamos con #Mis10de Avalanch, versión Ramón Lage. (por cierto, Avalanch fue el primer #Mis10de de la historia en Twitter).

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Iván Ferreiro – Canciones Para El Tiempo y La Distancia (2005)

 

Él lo ha celebrado con la reedición remasterizada del disco y una espectacular caja con numerosísimo material, pero en RockSesión nos queremos acordar, en su quince aniversario, de la edición original de Canciones Para El Tiempo y La Distancia, el que supuso ser el debut en solitario del gallego Iván Ferreiro, tras su intensa y profunda etapa con Piratas. Una banda del todo incatalogable, que pasaba del pop más al uso a la experimentación más plena (siempre con sentido), que lo mismo te creaba un himno generacional por obligación de la casa discográfica (‘Años 80’), que se ponía electrónico dejando siempre sorprendidos a sus propios seguidores, que sabían que podían esperarse cualquier sorpresa o truco de magia a las menores de cambio. Tal es así, que en 2003 se encontraron con la peor de ellas, en el momento,  que era la disolución de la formación. Y digo en el momento porque el tiempo, tomado con distancia, ha demostrado que hemos ganado a un artista más total y más libre que nunca, hasta el punto de convertirse en todo un referente de calidad. Congracia con la música saber que algo así obtiene el reconocimiento del público, cuando lo masivo suele estar asociado en muchas ocasiones con la mediocridad. Iván Ferreiro pasó, de primeras, con este disco a ser uno más de la lista de ‘frontmans’ de bandas exitosas que lo intentan a solas (España debe ser líder en eso -aunque los motivos sean distintos-, Bunbury, Calamaro, Erentxun, Coque Malla, Leiva, Manolo García, Robe, Fito, Rulo, El Drogas…) pero pasó a ser, como los citados, único. Lee el resto de esta entrada

Ciudad Jara – Donde Nace El Infarto

 

De inicio, posiblemente fuese el componente de La Raíz que más expectativas podría haber generado de saberse desde el primer momento que todos los músicos y vocalistas de la banda iban a emprender proyectos paralelos mientras que la triunfante cabecera duerme en los vértices del tiempo. El más rápido fue Juan Zanza con Valira. Posteriomente, Julio Maloa emprendió aventura ‘boikotera’ antes de que se diese a conocer el más continuista Nativa (por sus cinco integrantes) y por su cuenta ha ido Felipe Torres en Fukushima. En todo ese tiempo, nada se sabía (de manera pública, claro) de lo que pensaba hacer Pablo Sánchez. Más allá de gustos personales, por más que La Raíz tuviera un rollo asambleario y fuera una gran familia, estaba claro que se podría considerar como uno de los símbolos de la banda y, por tanto, de ahí las lógicas ganas de lo que podría ofrecer en Ciudad Jara, su nuevo proyecto. Tampoco era del todo descabellado pensar que el parón temporal de Zoo (donde milita su hermano) pudiera coincidir los caminos. Así, hace cuatro meses se desveló la creación de esta Ciudad Jara, como una Estación Esperanza, que toma el apellido de un mito del canto libertario como es el chileno Víctor. Con una gira que empezó con viento a favor desde el inicio, con festivales de todo tipo (desde rockeros al uso –Iruña Rock- a otros más ‘indies’ – Cooltural Fest, Sonorama, mestizos – Rabolagartija), Ciudad Jara ha abierto sus puertas con un disco de doce temas. Así lo vemos aquí.

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Fuel Fandango – Origen

 

“Haz florecer esta tarjeta. Sumérgela en un recipiente con 5 mm de agua. A la semana, trasplántala a una maceta. Riégala y mantenla bajo el sol” (todavía no lo he hecho). Con estas instrucciones de uso se desliza del libreto de Origen un presente de visita que  viene a sintetizar la pulsión de vida que quiere transmitir la decena de cortes que conforman el cuarto larga duración del dúo formado por Nita (Cristina Manjón) y Ale (Alejandro Acosta). Como viene siendo habitual en Fuel Fandango, se han tomado el tema con la calma y la sabiduría consabida de que las prisas no son buenas consejeras. Lo han hecho así en cada una de sus entregas. Tras el prometedor EP1 llegaría el debut epónimo en 2011, dos años pasarían hasta el Trece Lunas (2013), tres al Aurora (2016) y casi cuatro para este Origen, que pasa por ser su primer álbum íntegramente en castellano, después de que el anterior ya estuviera en más del 50%. Con la precisión cirujana que ha caracterizado toda su obra, Fuel Fandango consigue en este trabajo el más difícil todavía. Cargar las tintas en la dualidad electrónica-flamenca sin que ninguna de las dos rompa el equilibrio atmosférico que consiguen. Por el camino, mantienen los pasajes ‘chill-out’ o desarrollan cierta grandilocuencia hímnica, todo ello guiado, como apuntaba al inicio, de cantos que buscan la vida desde su germen. No es que sea un tratado filosófico pero, para un disco de música comercial que se cuela en el número uno de los más vendidos, no está mal.

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Quique González. Maestro Padilla. 8 de febrero

 

Quique González lleva tiempo jugando en otra liga. Con nueve discos de estudio y dos directos en su haber, donde apenas hay el menor borrón, el madrileño mantiene un idilio constante con unos seguidores que le adoran. Que no será todo lo masivo que son muchos otros cantautores del rock (permítanme, bastante menos inspirados), pero que tiene ya su nombre grabado entre los mejores letristas y compositores de nuestro país. Diez discos en los que la poesía hace gala de historias casi siempre melancólicas, casi siempre taciturnas, pero nunca derrotadas. El encanto de la fragilidad de una humanidad que sabe transmitir en sus acordes, en su voz y sus estrofas, sin dejar de lado también una faceta rockera más directa (aunque no por ello sin perder su firma elaborada) que convive con naturalidad con otros escarceos por el blues, el country, los arreglos de cuerda, el sonido Nashville, la vida en la calle. Y no contento con el cuidado de sus propias creaciones y textos, se suma su último disco, con letras del poeta Luis García Montero, Las Palabras Vividas. En el marco de esa gira pude verlo anoche y esta es la crónica realizada para la agencia del Área de Cultura del Ayuntamiento de Almería. Queda la espinita de no haberle podido hacer la entrevista previa, otra vez será. Ahora, pónganse cómodos. (FOTOS: José Antonio Holgado).

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#Mis10de The Doors

 

En un fin de semana que arrancamos con la sesión de #Mis10de nacional con Buenas Noches Rose y que, hoy, continuamos con la crónica del concierto de Quique González en el marco de la gira de Las Palabras Vividas, me apetecía en la sección guiri, de domingo, recuperar a los siempre desbordantes y enigmáticos The Doors. La viveza de las emociones al límite, la forma de encarar los textos sin demasiados condicionantes ni cortapisas podría ser el hilo conductor de tres nombres propios que hacen sentir con sus canciones un plus extra de lo que podría considerarse como ‘normal’. El blues y rock psicodélico de The Doors vivió de manera intensa su trayectoria vital mientras que Jim Morrison pudo dominar sus fantasmas. Ocho años de grandes y gigantes discos, de arrojo. Un tiempo que, gracias a que los tiempos de la época (1965-1973) eran otros, dejaron hasta ocho discos de estudio y numerosas grabaciones en directo. Mártires del rock, como dirían aquellos, siempre nos quedará el interrogante de saber hasta dónde hubieran podido llegar, cómo hubiesen evolucionado en su sonido con los nuevos desarrollos tecnológicos, cómo sus canciones se habrían adaptado a la madurez de sus creadores. Como jugar a ello es bastante estéril, disfrutemos con lo que sí que tenemos. Aquí van #Mis10de The Doors. Buen domingo.

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#Mis10de Buenas Noches Rose

 

Buenas Noches Rose es uno de esos grupos irrepetibles y de una identidad y personalidad tan fuertes que casi no importa que sean desconocidos para el gran público, que solo grabaran tres majestuosos discos y que ‘en vida’ apenas vendieran más de 10.000 copias de cada uno de ellos. Nada importa. Porque su obra está por encima y para matar a todo aquel que se acerque a descubrirlos. Es ese licor añejo guardado, de alta graduación y con peligro de quemarte la garganta o causarte la muerte con la toxicidad de su esencia. Y de entre Buenas Noches Rose, su debut, La Danza De Araña y La Estación Seca, es la obra central la que concentra la mayor cantidad de veneno. Tras su razonablemente bien vendido debut (7.000 copias) repleto de carnalidad y canciones pegajosas, la multinacional BMG Ariola decide apostar fuerte por una banda formada por un elenco de grandes músicos y sobre todo grandes personalidades. Desde la base rítmica con Roberto Aracil “Rober” y Juan Pablo Otero “Juampa”, a los dos versátiles y viscerales guitarras en plena efervescencia creativa como Alfredo Fernández “Alfa” (Lepunk y ahora en solitario) y Rubén Pozo Prats (sí, la mitad de Pereza), y como guinda el irrepetible descaro y sangrante capacidad interpretativa de Jordi Skywalker (que acabó dejando el grupo un año después, en 1998, para subirse a una carreta y perderse por Francia y que hace unos años regresó con un disco en solitario genial en su locura). Ahora, está cerca de estrenarse un documental sobre el grupo. Nos vale de excusa para traerlos a la sección.

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Malos Vicios – Por Amor Al Arte (2004)

 

Enfilando ya los treinta años de trayectoria musical, los castellonenses Malos Vicios tienen en su haber ya una buena colección de discos que tienen (creo que es opinión generalizada) en este Por Amor Al Arte su entrega más celebrada. Y eso que al principio fue algo incomprendido, porque tras los cuatro anteriores (Circo absurdo 1996, Tralla Records, El día menos pensao… 1999, El Lokal, Desde Levante, a piñón y to p’adelante 2000, Potencial Hardcore y Al mal tiempo… mala cara 2002, Maldito Records) se ‘acusó’ al disco que nos ocupa como un cambio demasiado brusco porque se habían dejado las síncopas y el ska por el camino. Lo de siempre. El caso es que con Por Al Amor Arte (eterno candidato a ser elegido crítica remember de los viernes que, por fin cae), Malos Vicios descubrió y equilibró sus distintas influencias para despachar un punk melódico con hechuras harcoretas que tenían mucho del sonido americano, pero (aquí la diferencia) con la suficiente personalidad como para no convertirse en un pastiche sucedáneo. Y por si faltase sello castizo, una de las mejores versiones divertidas que ha dado nuestra escena del punk rock, ‘La Mandanga’ de El Fary, convertida en ‘La Mandanguita’.

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Tanxugueiras – Contrapunto

 

Resulta difícil explicar cómo un disco de música tradicional gallega acaba protagonizando una crítica de novedad en una web de Rock, pero ya sabéis que las cuadrículas siempre han sido totalmente permeables (o inexistentes) en esta casa. Empecé a conocer el proyecto de Tanxugueiras con su anterior trabajo, de título epónimo. Desde Santiago de Compostela, el grupo está formado por el trío compuesto Sabela Maneiro, Olaia Maneiro y Aida Tarrío. Y ya aquel debut les valió distintos reconocimientos en los Premios MIN de la Música Independiente a mejor disco en galego o Premio Martín Codax en la categoría de Música Tradicional y folk. Con Contrapunto, lejos de buscar la comodidad y el continuismo, refuerzan su apuesta renovadora, modernizando la propuesta pero también hurgando más si cabe en la tradición, como la integración de la pandereta y más elementos que arropan las afiladas voces melódicas y armónicas que hipnotizan con contundencia en cada una de las escuchas. El disco, además, juega con una línea argumental conceptual, en la que la cara positiva y la negativa de la vida, tan real, se dan de la mano para dibujar un disco lleno de emociones vívidas y una intensidad tan latente que, aquí la clave, no desentona como crítica en una página web de Rock.

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