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Veracrvz – Veracrvz

«Veracrvz es un puzzle hermosamente extraño que cobra sentido cuando empieza a sonar. Rock que bebe de influencias tan dispares como el pop, la frontera, los 90s y el indie». Así se autodefine este debutante cuarteto que acaba de presentar en sociedad su primer trabajo discográfico, que consiste en un denso epé de seis temas que me apetece traer con crítica porque me gusta valorar esos trabajos que nacen y se despliegan sin pretensión ni efectismos. Un álbum de músicos y vocalista de curtida experiencia, que se reúnen en una nueva nomenclatura por el placer de seguir haciendo música, lo que le da un sabor especial a las canciones aunque en las primeras escuchas no nos parezca apreciar ningún ‘hitazo’ (utilizando la jerga de la industria). Publicado a finales del mes de marzo, el cuarteto formado por Sara Villoria “LaVil” en la voz, guitarra y autoría de las letras, Javi Puértolas a la batería, Marcos Pérez al bajo y Raúl F. Mingorance a la guitarra (todos ayer con anterioridad en proyectos como Rural Zombies, Tenpel -a quien tanto quisimos mientras anduvieron en activo hasta 2018-, Árida o Delobos) firma un álbum que ha sido grabado y mezclado a lo largo del mes de noviembre del pasado año 2022 en Westline Studios, a cargo de Juan Blas, y masterizado en Vacuum Mastering con Javier Roldón a los mandos. La producción ha corrido a cargo de Juan Blas y los propios Veracrvz.

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El Malo Del Cuento – Fecha De Caducidad

Este El Malo del Cuento nace a finales de 2015 en Tarragona (no confundir con la banda cacereña nacida en 2009) cuando, tras la disolución de Ausentes, tres de sus miembros deciden embarcarse en este nuevo proyecto. En poco más de un año, y bajo la producción de Xavi Moreno (EQ Estudi), publicaron su primer trabajo, titulado Conexión al Mundo (Faktoria Sonora, 2017), con colaboraciones de Distrito Rojo, La Desbandada, Bocanada y Números Rojos, con el que giraron por todo el país. Tras unos años en barbecho y cocinado a fuego lento. Hace poco más de un mes ha visto la luz este nuevo Fecha de Caducidad (Faktoria Sonora, 2023), con el que afianzan sus credenciales: «una apuesta segura por el rock urbano de influencias clásicas con la impronta genuina y personal que aporta la frescura y el buen sabor de sus composiciones», apuntan desde la banda. Un disco que ha estado guardado en el cajón casi un par de años, por diversos motivos y del que se adelantó algún tema en 2021 y 2022. La producción, grabación y masterización de las canciones vuelve a ser obra de Xavi Moreno en EQ estudi y Javi Sanmartín en Sonido XXI Estudio. El quinteto viene formado por Ángel Calvo, Daniel Vázquez, Miguel Ángel Ríos, Carlos Baos y Gorka Echaniz y celebramos que todavía haya bandas que quieran mantener encendida del rock poeta más visceral y curtido, de ese que nos enganchó con los grandes nombres que a todos nos vienen a la cabeza.

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The Son of Wood – Asfalto y Cereal

La subdivisión y multi ramificación estilística de la última década y media hace que los grupos nacidos de esa hornada, quien ha crecido escuchando esa variedad guiados por el denominador común de la propuesta cuidada y elaborada, más que por la formalidad del género musical, a la hora de coger unos instrumentos, mezclen en la batidora todas esas influencias y presenten una amalgama que, como este caso, descoloca en su escucha pero no en la lógica. The Son of Wood es el campo de La Maravillosa Orquesta del Alcohol y el rapeo que se ha insertado en las bandas con vientos metales, es el arreglo preciosista en las cuerdas de Robe y los suyos, el bandarreo de lo urbano con querencia de neón funk y el folk americana teñido de matices autóctonos, la mirada individual para la vocación por el colectivismo. Un grupo forjado en las calles de Salamanca que combina instrumentos como guitarra acústica, armónica, violín, bajo, saxofón y batería con influencias folk, rock, indie y country. El joven septeto está formado por Kike Hernández en la batería, Fer P. Núñez al bajo, Gonzalo López a la percusión, Xavi AKD a la voz rapeada, Diego Hernández en saxo, guitarra eléctrica y voz, Lucía Urones en el violín y Sergio Dimald en guitarra acústica, armónica y voz. Este Asfalto y Cereal (que el título de por sí ya da bastantes pistas del contenido) es su segundo trabajo discográfico de estudio y viene avalado por el sello de calidad del pequeño sello Calaverita Records, que se consolida por derecho propio en uno de los más reputados de la escena.

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Luz Casal – Las Ventanas De Mi Alma

Aunque el tiempo entre el lanzamiento de Que Corra El Aire y este Las Ventanas De Mi Alma con su antecesor disco de estudio ha sido prácticamente el mismo (cinco años), sí que este nuevo álbum de Luz Casal (el decimosexto de su impresionante legado) viene con un aura mucho más cercano, fresco, de constancia. Quizá sea por ese primer directo oficial publicado en toda su carrera (Sólo Esta Noche) o también por esa generosidad que mostró en tiempos de confinamiento, en los que llamó a cerca de 2.000 personas con el simple objetivo de dar ánimos y compañía. Luz es de otra pasta, está claro, y por eso se le quiere desde todos los géneros musicales, el rock incluido, por supuesto. Si Que Corra El Aire nos mostraba a una artista entrando a la numérica sexagenaria en plena forma, Las Ventanas De Mi Alma no solo iguala aquel alarde sino que, desde la primera escucha, lo supera. Son doce temas en los que no está todo lo que es Luz pero sí que hay una cierta heterogeneidad donde no se rehúye el cuerpo a cuerpo del rock más potentón, incluso con canción compuesta por Los Zigarros, los arreglos de cuerdas, atisbos de una bien entendida modernidad de bases programadas y pianos animosos, fragilidad y entereza en doce temas que hacen honor al título en lo que se ha promocionado como el disco más personal de la artista. Sea como sea, el resultado es más que notable y ejemplifica, como ya hicieran otros colegas mayores que ella, que se puede seguir avanzando en los guarismos sin necesidad de perder el norte ni abrazarse en el autoengaño de la complacencia.

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Ginebras – ¿Quién Es Billie Max?

Para alguien que en su niñez se ha cantado buena parte de la discografía de Aerolíneas Federales (vía hermano mayor), que en los tiempos universitarios celebró el resurgimiento de esa sonoridad con Los Fresones Rebeldes o Nosotrash, bajo etiquetas poco acertadas con el muy mal llamado ‘tontipop’ (se me ocurren muchos más géneros y formas de encarar la música donde el calificativo podría ser más apropiado), que otros buen puñado de años más tarde sigan surgiendo bandas que beban de esa forma naturalizada, divertida y melódica manera de contar historias y cantar canciones me sigue conmoviendo al extremo. Es una suerte de conciliación con ese presente tan deslavazado y pueril en el que los “Viejos Rockeros Viejos”, que diría León Benavente, y sus discos como concepto ya no tienen apenas sitio más allá de su reducido coto de endogamia. Para mí Ginebras es eso. Un grupo que trasciende de toda moda para cantar en plena sencillez historias que no por triviales resultan inanes. Ya sorprendieron con su debut en el primer largo Ya Dormiré Cuando Me Muera (que se quedó sin crítica porque lo escuché algunos meses después de su lanzamiento, así que siempre tendremos la carta de dedicarle una crítica remember de viernes dentro de unos años) y vuelven a hacerlo con este segundo, ¿Quién Es Billie Max? Y lo consiguen porque lejos de clavar la misma fórmula desenfadada, consiguen trasladar lo aprendido a lo largo de estos tres años, narrando con el mismo sentido del humor pero con algo más del poso que da la experiencia. Incluso atreviéndose con temáticas y arreglos más elaborados. Y lo que me sorprende es que tengan haters declarados habiendo tanto mal por esos reproductores de streaming

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¡Pendejo! – Volcán

Sé que no son muy populares, pero eso no es impedimento para que puedan salir en nuestra casa. Sobre todo porque me parece que es una banda digna de conocer y con una historia particular, similar al caso de Dead Bronco (banda vasca con cantante americano y un pantanoso mundo de folk, banjo, mandolina y punk). El mundo globalizado nos regala a veces fantásticas alineaciones que recuperan el romanticismo musical, la pasión por el estilo en el que uno cree, que rompe cualquier tipo de limitación territorial. Con integrantes de ascendencia latina, ¡Pendejo! es el nombre de una banda afincada en Holanda que les dio, hace unos años, y después de mucho amor al rock urbano español y al bandarrerío del metaleo latinoamericano, coger los instrumentos y llevar su particular mezcla explosiva de sonidos al disco Cantos a la Vida. Ese álbum llegó a mis oídos y me enamoré de su cazurra (porque algo de brutote tienen sus formas) propuesta de bombos fuertes, de stoner y metal y fanfarria de trompeta que les da el grado de explosividad festiva y, por qué no, casi apocalíptica, que les faltaba. Todo ello, en castellano. Con un par. Después llegaría Atacames y, más adelante, otro tercer trabajo discográfico de estudio, llamado Sin Vergüenza, que afilaba todavía más su autodefinido: “heavy brass, brutal riffage, pounding drums, cojones (del tamaño de Danny De Vito, and Spanish urban lyrics”. Ahora, su nueva entrega se titula Volcán.

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La Excavadora – Todo Es Para Destruir

Viejos conocidos para nuevos mimbres. Entre Gasteiz, Agurain y Lakuntza nació a finales 2019 La Excavadora, una banda que, a la antigua usanza, debutó a comienzos de 2021 con un disco epónimo grabado el año anterior, en el que escarban por su cóctel de influencias hasta doce piedras bien pulidas y que no tenían fisura alguna. Es lo que tiene la experiencia, porque este quinteto está repleto de caras conocidas de la escena del punk rock. En primer lugar, solo con ver los mástiles y trastes ya nos tienen ganados: Raúl Lasa ‘Txiki’ y Ángel Otxoa de Eribe ‘Geli’ en las guitarras y Mikel Azpiroz ‘Buton’ en el bajo. O lo que viene a ser lo mismo, los dos guitarristas y el bajista de Gatillazo, la penúltima banda de Evaristo (hasta la fecha). Garantía de calidad indiscutible y especial debilidad, porque soy de los que ha escrito y defendido en incontables ocasiones la impresionante versatilidad y el sonido que se marcaban. Aquel disco daba testimonio de sus capacidades, por si hiciera falta. Algunas de estas canciones las grabó Ángel, pero recientemente se ha incorporado Joel Márquez (Puraposse, La Zigarra). Pero seguimos hasta completar la alineación del quinteto. En la batería, Mikel Berrozpe ‘Pollo’, al que ya habíamos escuchado en Vicepresidentes y, en mayor medida, en Childrain, y, en la voz Iñaki Urbizu ‘Pela’, que también conocíamos de SCB y, sobre todo, de Marky Ramone´s Blitzkrieg. Con este quinteto en la cancha, comprenderán que estábamos ante un debut ‘ficticio’, puesto que ninguno era un recién llegado. Siempre han sabido lo que quieren y lo ejecutan con un sonido que lleva el sello de garantía que atesora otro nombre habitual de la escena, Haritz Harreguy. Caballo ganador a paladas de punk rock que en esta ocasión viran los matices urbanos autóctonos y algo de ese glam, para abrirse a un sonido más anglo y redondeado a formas más contemporáneas, con grosor de bajos y más brío. Incontestables, en suma. Todo Es Para Destruir.

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Neuman – Waterhole

En este camino vital repleto de música, me crucé por primera vez con Neuman cuando llegó a mis oídos The Family Plot, su segundo trabajo, publicado en 2012, prendándome de temas como “Jane”, “Ben Gun”, “Waldoword”, “Doggy” o “Lovers”. El guiño velado al título de la última película que grabó Hitchcock tiraba mucho para alguien que está siempre deseoso de descubrir inquietudes y pulsiones nuevas. Fue entonces cuando miré a su anterior álbum, su debut en Plastic Heaven de 2010. Un fantástico ejercicio de post-rock y shoegaze al que había añadido toques de folk en su siguiente entrega. Con estos cimientos, he seguido siempre con curiosidad la trayectoria de Paco Román, alma del grupo con el que también ha firmado los recomendables Bye Fear Hi Love (2013), IF (2014), que le supuso el salto definitivo a otro plano dentro de su circuito, y el magistral Crashpad (2017), que rezuma paz y belleza en canciones como “Gibberish”, “Kids”, “Deleted Files”, “Dizzy”, “Quiet”, “End”… Resumiendo: La discografía de Neuman es maravillosa. Del britpop de los noventa o al shoegaze más frágil y siempre con un cuidado extremo en las mezclas, sonidos y arreglos. Por eso, esta espera de seis años (curiosamente, casi el mismo tiempo que ha habido que esperar para otro larga duración de José Ignacio Lapido, nuestro protagonista de ayer) bien ha valido la pena cuando el resultado vuelve a palpar por momentos la excelencia y, como siempre, dando una vuelta de tuerca a la propia evolución del sonido. Siempre orgánico, analógico y cuidado al extremo. Neuman, ese fantástico verso suelto al que es imposible compartimentar en etiqueta alguna.

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José Ignacio Lapido – A Primera Sangre

Desde que empezara su camino como solista en 1999, ha sido la primera vez que ha habido que esperar tanto tiempo (cinco años y medio) para tener nuevo disco de José Ignacio Lapido en nuestras manos y oídos. A Primera Sangre retoma el relato dejado en el abrumador y fascinante El Alma Dormida. Un álbum con el que el músico, compositor, letrista y vocalista granadino confirmaba por enésima vez sus hechuras de grandeza, el respeto a quien maneja los tiempos del verso, la narración y su arrope musical con la paciencia del orfebre y el talento de la creatividad más productiva. Por el camino, es cierto, nos regaló el primer disco en de nuevas canciones por parte de 091 (La Otra Vida) en más de veinte años. Y también se vino una pandemia que aumentó la brecha temporal. Sea como fuere: la espera ha valido la pena. Pero es que casi ni tenía sentido dudarlo. Lapido presenta su noveno disco en solitario. Una auténtica heroicidad para haber coincidido con el declive de las ventas de discos y esas cosas de las que tantas veces nos hemos lamentado. Y aunque la subjetividad del oyente marcará sus preferencias en cuanto a su obra pretérita, el resultado vuelve a ser tan coherente y firme que celebramos, siempre, que siga viva la llama de un creador alejado de los grandes focos y atención mediática, pero que resulta fundamental para entender la sobriedad cabal de quien lleva más de cuarenta años aportando su trabajo para dignificar el rock en castellano. En A Primera Sangre lo hace con once nuevas canciones donde distorsión y acústicas acercan sus brazos para acoger los textos rotundos de Lapido y su voz casi incorruptible.

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Descantilleos – Rompamos La Baraja

Entre las numerosas recomendaciones que me llegan, ya sea de forma directa por las bandas o de lectores que conocen la amplitud de oídos que nos gastamos en esta casa, hay ocasiones en las que, una vez escuchado y valorado el disco en cuestión, me apetece echar unas líneas para que la cadena siga rodando y difundiendo la ilusión con la que tantas y tantas bandas emergentes se curran sus primeras canciones, grabaciones y, como es este caso, su debut discográfico. Así llega hoy Descantilleos. Una formación que nació a finales de 2011 de la mano de los hermanos Dani (voz y guitarra rítmica) y Jordi Lleonart (batería), que antes de llegar a hoy se ha autoproducido dos maquetas y realizado un buen puñado de conciertos por todo el país. «Nuestro propósito durante todo este tiempo siempre fue disfrutar del proceso y aprender lo máximo posible de cada experiencia». Ahora, en este primer álbum el cuarteto se completa con Johnny Kerchief a la guitarra solista y Marcos Corcoba al bajo. Para su grabación han contado con la producción de Carles Salse (Exceso, Xtasy, Elisa C. Martin) en Sureau Studio de Matadepera (Barcelona). Ha sido mezclado por Sebastian Sendon (Bleed from Within, Lampr3a, The Broken Horizon…) y masterizado en Suecia de la mano de Erik Martensson (Eclipse, W.E.T., Therion…). Portada y dibujos (puesto que cada canción tiene su propia portada) de Toni Galván, habitual de los también recomendables Crim. Un álbum sobre todo rock, con trazas de punk melódico y, en ocasiones, algo de mala lecha de recuerdos metaleros por la vía Lemmy Kilmister. Hoy, Rompamos La Baraja.

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